Dans

Dans

Techno, sex og ecstasy på dansegulvet

Teatret flytter ud af teatret, og der danses, spilles skuespil og synges opera på nye, anderledes og overraskende lokationer. Alle steder kan blive en scene – lige fra private hjem til kirkegårdskapeller og bybusser. Instruktøren Sargun Oshana er optaget af at nedbryde barrieren mellem publikum og scenekunstnere, han ønsker at skabe rum, hvor de de to parter kan mødes på nye måder. I sin seneste forestilling Techno/Frådseri, der er en monolog med dans, har han rykket teatret ind på en natklub. Nærmere betegnet natklubben Never Mind, hvor publikum sidder på barstole rundt omkring i lokalet, som var det en almindelig klubaften. Det sparsomme lys kommer fra gamle lysekroner, der hænger i loftet side om side med discokugler. I et hjørne af lokalet står en DJ, og bag bardisken skænker bartendere øl og drinks. Mere autentisk bliver det ikke.

Forestillingen med skuespilleren og sangeren Simon Mathew handler om en person, der går i opløsning. Personen er en ung homoseksuel mand, der på en selvdestruktiv måde uhæmmet hengiver sig til hårde stoffer og grænseoverskridende sex. I en rus på dansegulvet møder hovedpersonen et ‘du’, som vi ikke ser, men kun hører om.

Kejtet kommer den unge mand ind i baren og går forsigtigt rundt blandt publikum. Kontaktsøgende, men genert kigger han sig omkring. Han tør ikke tage kontakt til nogen. Efter et par ecstasy-piller er al kejtethed og generthed borte. Han slipper hæmningerne og danser vildt til technomusikken på dansegulvet. Technomusikkens heftige rytme afspejler hans hidsige puls. Han er høj af stoffer og kan slet ikke stå stille, men må danse videre, mens han fortæller om ham, som han lige har mødt og er blevet besat af. Han giver slip på sig selv og underlægger sig du’et. Først lader han sig klippe skaldet ligesom sin elsker, senere følger han fuldkomment du’ets lyster og bliver sexslave for ham – og for andre vildtfremmede mænd, som du’et manipulerer ham til at have sex med.

Forestillingen er ikke for puritanske sjæle, den er eksplicit i sit sprogbrug. Her tales der om alle former for kropsvæsker og bizarre sadomasochistiske sexlege, der mere minder om tortur end nydelse. Også kropssproget er direkte; kun iført kyskhedsbælte smider Simon Mathew sig på cafebordene lige foran os publikummer eller kravler nøgen rundt for fødderne af os. Det er grænseoverskridende for publikum, akkurat som det er for jeg’et, hvis grænser bliver rykket langt mere, end han egentlig ønsker sig.

Det som umiddelbart kan opfattes som en provokation tjener dog et højere kunstnerisk formål. Udskejelserne demonstrer nemlig den objektgørelse, der sker med jeg-personen i hans fuldkomne hengivelse til det dominerende du. Hans identitet flyder ud og smelter næsten sammen med den andens. Jeg’et bliver fremmed over for sig selv, han bliver tingsliggjort og næsten tilintetgjort. Hans krop er bare en fremmed ting, som andre kan gøre med, hvad de lyster. Og den næsten invaliderende sex er et billede på en person, der altid har brug for en anden for at føle sig som et helt menneske.

Mest grænseoverskridende og ubehageligt er dog hovedpersonens vekslen mellem ecstasy-ekstase og ædruelig depression. Hans fråseri med sex og stoffer har været fuldstændigt glædesløst. Og når hyggebelysning slukkes i baren og det skarpe neonlys tændes, kommer vi publikummer helt tæt på dette menneske lige ved siden af os. Han, der har mistet sig selv og er på selvmordets rand. Det er stærkt teater, der rammer publikum som dundrende tømmermænd. Og det er teater med en moderne dannelseshistorie. Simpelthen teater når det er allerbedst.

Forestillingen bygger på Niels Henning Falk Jensbys debutroman Techno. Med sin meget sikre stil og en ny form for kropsmodernisme blev værket kåret som årets bedste danske debutroman i 2016. Men for en gangs skyld er teaterversionen bedre end det litterære forlæg. Romanen bliver i længden lidt monoton med sin bevidst kværnende og ensformige stil. I teaterforestillingen er der derimod plads til lidt variation og et lille smil takket være Sargun Oshanas modige iscenesættelse og Simon Mathews hudløse og overbevisende performance.

Techno/Frådseri er produkt af et et kreativt samarbejde mellem Aarhus Teater og teater Republique i København. I Aarhus spiller forestillingen på GBAR og i København spiller den på natklubben Never Mind. Forestillingen er en del af Republiques serie om syv dødssynder, som udforskes i en række forestillinger denne sæson.

frådseri

Foto: Anna Marín Schram/République

frådseri på Republique

Foto: Anna Marín Schram/République

FAKTA
Techno/Frådseri
Aarhus Teater og Republique (GBAR og Never Mind)
Instruktion: Sargun Oshana
Dramatisering: Sargun Oshana og Sanna Albjørk
Medvirkende: Simon Mathew og DJ Natal Zaks

Dans

Historien om en finsk ballerina i Danmark

Mia Breinholt Heldam fra tv-kanalen dk4 portrætterer den finskfødte balletdanser Sorella Englund i udsendelsen Efter nat kommer dag, der har premiere på dk4 den 21. december kl. 22.05 – med genudsendelse 1. juledag kl. 22.00.

I 1966 kom Sorella Englund til København og siden da har hun været tilknyttet Den Kongelige Ballet som solodanserinde, karakterdanser, instruktør og iscenesætter. Udsendelsen handler ikke blot om en lang ballet-karriere på Det Kongelige Teater, men også om Sorella Englunds liv, før hun kom til Danmark. Da Sorella Englund var 10 år, mistede hun sin mor, og hendes far, komponisten Einar Englund, fik en ny kone, og Sorella Englund fik en stedmor. Det var en ond stedmoder, som Sorella Englund senere lod sig inspirere af, da hun dansede heksen Madge i August Bournonvilles Sylfiden og den onde fe Carabosse i Christopher Wheeldons Tornerose.

Der har været flere hump på vejen for Sorella Englund, som har kæmpet med anoreksi i en lang årrække og som 33-årig, da hun var på toppen af sin karriere, fik hun en blodprop i hjertet. Der har altså været rigeligt med nat-mørke i Sorella Englunds liv og karriere.

 

Sorella Englund på dk4

Foto: dk4

 

Dans

Kig ind i den menneskelige zoo

Findes normalitet? Det spørger den islandske performancekunstner Kristján Ingimarsson i sit værk Morph, der tidligere på året havde premiere i Aarhus, og som nu spiller på Teater Republique i København. Svaret på spørgsmålet er både ja og nej. De seks performere fra Kristján Ingimarsson  Company ser helt almindelige og normale ud, de er som folk er flest. De er ikke supertrænede, men har en delle her og en topmave der. Det, som performerne foretager sig, er derimod ikke et vanligt syn i hverdagens gadebillede. Nøgne – kun bevæbnet med plastic-remedier – angriber de hinanden, som er de midt i et berømt historisk slag, sådan som vi kender det fra kunsthistoriens store værker – for eksempel Bayeux-tapetet.

Det er ikke blot i åbningsscenens kampscener, der er kunsthistoriske referencer, der er i det hele taget utallige kunsthistoriske citater i Morph. Damien Hirsts dyr, der er nedsænket i glasmontre med formaldehyd, refereres der til, når performerne – nu klædt i almindeligt tøj – masses sammen i glasbure, så Kristján Ingimarsson selv kan observere dem, som er han antropolog i den menneskelige zoo. Han studerer menneskedyrene og prøver at komme rigtigt tæt på dem i forsøget på at forstå disse mærkelige væsner, der snart er vildt aggressive, snart harmløse og lalleglade. Til en fest finder han ud af, at hans lidt for nærgående tilnærmelser over for en kvinde nemt bliver tilgivet med lidt fjollerier og en skål. Han noterer sig også, at menneskene er vanedyr, der bedst trives med faste rutiner i velkendte omgivelser. Når blot de får deres kaffe og andre stimulanser, der beroliger dem og fører dem ind apatiens trygge favn. Menneskene har det bedst i deres hjemlige og selvvalgte bur.

Kristján Ingimarsson kalder selv sit værk surrealistisk, det er da også temmelig absurd, men med hans brug af plastic og andre genbrugsmaterialer på scenen synes værket mere at være beslægtet med arte povera. I den italienske kunstretning sammenstiller kunstnerne simple materialer og fundne objekter i nye sammenhænge, så de får ny betydning. I det lys giver titlen Morph også mening, idet den betyder ’gradvis forandring’.

På scenen er der en stor kugle skabt af diverse plastdele. Denne ophobningen af plasticaffald bærer en af performerne på hovedet, indtil hun dejser omkuld under dens tyngde. Plasticaffaldet bliver her det moderne menneskes kors. Plastickuglen påminder om menneskets sørgelige eller måske endda syndige miljøsvineri, der belaster vores klode. Da kuglen brister, opstår der en hel losseplads af uforgængeligt skrald. I denne skraldedynge lever også mennesker, som er tvunget til at genbruge affaldet og skabe nye ting af det. Skumgummi bliver til en kjole, reflekskegler bliver til sko og så videre. Og ud af skraldet vokser et helt kunstværk, nemlig en gloriekronet madonna, der skuer heroisk ud over publikum. Er jordkloden gået under og mennesket kommet i himlen? Eller har forbrugeren endelig lært genbrugets kunst?

Det er ikke til at finde hoved eller hale i Morph, som synes diffus i al sin kreative ophobning af ideer og referencer. Det er sikkert heller ikke forestillingens mål at udpege én retning eller ét budskab til publikum. Pointen er nok snarere, at fraværet af kunstnerisk mådehold skal demonstrere menneskets manglende materielle mådehold. Men resultatet er unægteligt en rodet affære, der stritter i alle retninger og ikke tilbyder beskueren en dybere forståelse eller efterfølgende reflektion. Morph ender derfor næsten med blot at være harmløse fjollerier.

Morph. performance

Morph. Foto: Gísli Dúa

Morph. performance

Foto: Gísli Dúa

FAKTA
Morph
Republique
Kristján Ingimarsson Compagny
Instruktør: Kristján Ingimarsson
Kunstnerisk konsulent: Egill Palsson
Scenograf: Johan Kølkjær
Lysdesign: Michael Breiner
Lyddesign: Kim Engelbredt

Dans

Dansefest uden dramatik

Det er nærmest blevet en tradition; når Nikolaj Hübbe opdaterer gamle balletklassikere, så flytter han også handlingen til en anden tid. Det har han gjort i sine radikale nyfortolkninger af August Bournonvilles balletter. Napoli rykkede Nikolaj Hübbe ind i et finurligt filmisk Fellini-univers i 1950’erne. Et Folkesagn førte han fint frem til symbolismens tidsalder i et Vilhelm Hammershøi-interiør. Sylfiden endte i et et mere diffust univers og en ubestemmelig tid – eller en slags al-tid. Den bedste og mest vellykkede tidsrejse skete dog i Svanesøen, hvor Nikolaj Hübbe genialt katapulterede handlingen ud i fremtiden, hvor renæssancen mødte sci-fi.

Nu er turen så kommet til Marius Petipas Raymonda, som aldrig tidligere har været opsat i Danmark. Nikolaj Hübbe flytter handlingen fra middelalderen til 1700-tallet. Korstogsridder-helten Jean de Brienne er blevet til en ungarsk adelsmand ved navn Otto, mens skurken saraceneren Abdul Rakhman er blevet til den spanske mauerprins Abderam. Men hvad en maurisk prins gør i 1700-tallets Frankrig, står hen i det uvisse, for det sidste mauriske kongerige, Granada, kapitulerede i 1492. Mauerprinsen og hans meget farverige følge synes som én stor anakronisme midt i det forfinede franske adelsmiljø. Tidsforskydningen er motiveret af politisk korrekthed. Nikolaj Hübbe kan – som han selv skriver i programmet – ikke forlige sig med den originale ballets stereotype konflikter mellem kristne helte og muslimske skurke i de middelalderlige korstog. Men ændrer en maurisk prins på dette?

En fejlplaceret mauerprins gør ikke den i forvejen tynde handlingen mere interessant eller spændende. Selv uoverensstemmelserne mellem adelsmanden Otto og mauerprins Abderam ender i et fornuftigt forlig takket være Raymondas overbevisende forhandlingsevner. Her er ingen dramatisk kamp, men snarere et slags EU-forlig der handler om, at der skal være plads til os alle. Det er naturligvis en sympatisk tanke, men på scenen dræber den idealisme dramaet og skaber ingen sitrende spænding. En ung mand, der længe har været væk fra sin kæreste, kommer endelig hjem og finder hende i armene på en anden, hvorfor må han så ikke reagere lidt voldsommere end med lidt skubben frem og tilbage. Hvad er der egentlig i vejen med en rask duel i de adelige cirkler i 1700-tallets Frankrig? Det ville da have være både realistisk  og troværdigt – i al fald mere spændende for publikum at se på end at overvære et tørt håndtryk. Balletten er trods alt ikke ført helt op til hippietiden og dens budskab om fri-sex.

Grundet fraværet af dybere konflikter bliver trekantsdramaet mellem Raymonda, Otto og Abderam, danset af henholdsvis J’aime Crandall, Alexander Bozinoff og Jón Axel Fransson, heller ikke særligt pirrende eller spændende. Her er ingen glødende passion, deres indbyrdes forhold er mere sammenlignelig med hverdagsagtig snak og problemløsning hen over køkkenbordet. Hvorfor må et voksent publikum ikke få et godt gammeldags balleteventyr med gnistrende temperamenter, der støder sammen i en politisk ukorrekt duel?

Trods ulogiske ændringer i Marius Petipas sidste storværk ender Raymonda dog som en stærkt underholdende forestilling takket være vældig god dans, en helt overdådig scenografi og flotte kostumer af Richard Hudson samt Alexandr Glazunovs medrivende musik.

Fortryllende er tredje akts ungarske bryllupsfest i sort og guld. Her synes kulisserne næsten at være det imposante operahus i Budapest. Festkostumerne er inspireret af ungarske folkedragter med broderier i sirlige vegetative mønstre. Hårpynt til kvinderne og flagrende bånd i nakken på herrerne. Her er også store, sorte hatte, som dem der giver kvægdriverne skygge under deres arbejde på den ungarske slette, Pusztaen. Danserne bærer ligeledes sorte støvler og viser dansetrin, som vi sjældent ser. Fra den ungarske folkedans ses høje bag-ud-ad-sparkende trin og sjove hoppende trin på skæve frøben. Balletbørnene, som også danser med til bryllupsfesten, bærer ligeledes omfangsrige folkedragter i ungarsk stil. De små dansere bliver næsten helt væk i de mange lag stof og ligner søde uformelige babushka-dukker.

De kvindelige korpsdansere gør det rigtig godt, især i Raymondas drømmescene hvor de danser nymfer. Her bærer de hvide kjoler dekoreret med mærkelige tegn, der genfindes øverst oppe i scenografien, måske illuderer de mørke, dystre skyer. Tegnene kan tolkes som en slags kode, ligesom drømmen er en kode og indgang til Raymondas ubevidste. Da Raymonda udmattet falder i søvn, forvandles hendes adelshjem med den sirlige have sig til en øde løvskov. I drømmen bliver kulturen således til natur. Raymondas drifter bliver synlige i denne drømmeverden, hvor hun tiltrækkes af både Otto og Abderam, der begge dukker op i den vilde natur. Alt det farlige og modsætningsfyldte i Raymondas drøm ville vi gerne have set konfronteret mellem Otto og Abderam. Lidt mere action og vildskab ville have klædt denne æstetisk meget smukke opsætning af Raymonda.

Anden akt i Raymonda.

Anden akt i Raymonda. Foto: Henrik Stenberg

Ungarsk dans i Raymonda

Ungarsk dans i Raymonda. Foto: Henrik Stenberg

Raymonda med den kongelige ballet

Raymonda. Foto: Henrik Stenberg

Fakta
Raymonda
Den Kongelige Ballet
Det Kongelige Teater, Gammel Scene
Koreografi: Nikolaj Hübbe efter Marius Petipa
Scenografi og kostumer: Richard Hudson
Lysdesign: Giuseppe Di Iori
Musik: Alexandr Glazunov

Dans

Pontus Lidberg – i front for Dansk Danseteater

Dansk Danseteater får ny kunstnerisk leder. Valget er faldet på den svenskfødte filmskaber og koreograf Pontus Lidberg, som har skabt værker for mange af de allerstørste internationale ballet- og dansekompagnier. Lidberg flytter fra New York til København for at tiltræde stillingen i april 2018, efter kompagniets nuværende leder Tim Rushton har valgt at stoppe.

Pontus Lidberg har blandet sat Exit, pursued by a bear op på Det Kongelige Teater i 2010 og Heart of Silk på Skånes Dansteater (2009).

Pontus Lidberg. Foto: Nir Arieli

Læs mere om Dansk Danseteater

Dans

Fra Weimar til paradis

Traditionen tro byder Den Kongelige Ballet også på konceptet Dans2go i denne sæson. Det er en såkaldt billig-forestilling med samme enhedspris, uanset hvor man sidder i teatret. Billetprisen har dog efterhånden sneget sig op på 260 kroner, men så får man også både koreografi af legendariske Akram Khan, superklassiske George Balanchine og et spritnyt værk af Nikolaj Hübbe med i købet. Qua den rimelige billetpris er Dans2go tænkt som en måde at række ud til et nyt og ungt publikum på. Formidlingen af dansen foregår derfor heller ikke gennem et trykt program, men via små introduktionsfilm, som vises på storskærm før hvert værk.

Gensynet med Akram Khans danseritual Vertical Road fra sidste sæson er en stor fornøjelse at gense. Eller retter sagt, at genopleve, for Akram Khan tager vitterlig sin beskuer med ud på en åndelig og dybt berørende rejse. Britiske/bangladeshiske Akram Khan skabte Vertical Road til sit eget kompagni i 2010, dengang i en dobbelt så lang version. Skaleringen fra 70 minutter til cirka 35 minutter synes god og velovervejet, for værket fremstår som både velkomponeret, stramt og kraftfuldt.

Vertical Road er en spirituel rejse, der begynder i et urmørke, hvor 11 dansere står som forstenede terrakotta-krigere. De ryster støvet af sig og bliver levende, når Nitin Sawhneys dunkende rytmer bryder stilheden. Herfra går den sjælelige rejse gennem støv og røg, indtil danserne forsvinder ind i et blødt, gyldent morgenlys. Måske er de nået frem til paradis? Tolkningsmulighederne er mange i Vertical Road, derfor kan værket også ses igen og igen.

Vertical Road er en smeltedigel af genrer – lige fra indisk kathak, sufi, tai chi, capoeira til japansk butoh. Det er en koreografi, der er kendetegnet af vild energi, rå kraft og rituelle gentagelser. De hypnotiske bevægelser samler de 11 dansere til én stor krop, som står overfor en tolvte person, der ikke er en del af gruppen. Der synes at være en magtkamp mellem gruppen og den stærke ener. Individets suveræne integritet mod fællesskabets trygge styrke. Men måske oplever man noget helt andet og ser andre tematikker, næste gang man går med på Akram Khans Vertical Road mod det forjættende lys.

Som et klassisk intermezzo danser Ida Praetorius og Andreas Kaas Balanchines Tjajkovskij-pas de deux, der på samme vis som Akram Khans Vertical Road accelerer og bygger op til noget stort. Pas de deux’en er en virtuos kraftpræstation, som beviser, at Ida Praetorius og Andreas Kaas er blandt de bedste balletdansere i Den Kongelige Ballet lige nu.

Dans2go begynder dog med en premiere på Nikolaj Hübbes værk Weimar med musik af Kurt Weill. Det er ikke første gang, at balletmesteren koreograferer, han har tidligere bidraget med koreografi, da han opdaterede versioner af gamle værker, så som Sylfiden, Napoli, Svanesøen, Et folkesagnGiselle og La Bayadére. Til disse klassikere skabte han soli og mindre divertissementer, men Weimar er hans første egentlige værk.

Weimar er en række usammenhængende divertissementer for 27 dansere. Koreografien synes hentet ud af en musical, den er let og underholdende i nuet, men også lovlig hurtig glemt. Musikken er bombastisk og teksterne grove, så der skal virkelig  power-koreografi til for at følge med. Bedst fungerer det i koreografien for de kvindelige dansere, mens koreografien for sømænd, håndværkere og kontorister synes for veg og kraftesløst. Annette Nørgaard har skabt nogle fine og historisk-korrekte kostumer, men de rækker ikke til at føre os tilbage til den myteomspundne Weimarrepublik. Med Kurt Weill og Bertolt Brechts rå og revsende sangtekster, den melodiske musik samt en satirisk og dekadent konferencier falder sammenligningen med Bob Fosses musical Cabaret naturlig. Dermed gør Nikolaj Hübbe det også meget svært for sig selv, for der skal umenneskeligt meget til for at leve op til denne legendariske og eminente mellemkrigshistorie.

vertical road foto Costin Radu

Vertical Road. Foto: Costin Radu

Verical road Akram Khan Costin Radu

Verical Road af Akram Khan. Foto: Costin Radu

FAKTA
Dans2go
Det Kongelige Teater
Den Kongelige Ballet
Koreografi: Nikolaj Hübbe, George Blanchine og Akram Khan
Musik: Kurt Weill, Peter Tjajkovskij og Nitin Sawhney